Depuis la fin du XIXe siècle, la peinture est au centre d'un débat institutionnel passionné. Son histoire récente ne peut être comprise en dehors des crises productives cycliques, à travers lesquelles le langage révèle sa métanoïa. Le pictural est devenu un support pour la critique des systèmes de représentation et fonctionne comme une méta-archive de réponses socioculturelles complexes. L'image, ainsi conçue, a atteint les profondeurs de l'imaginaire.

Dans le cas spécifique de Cuba, la théorie du post-conceptualisme a trouvé un bon allié dans la peinture. À partir des années 1980, la langue a joué un rôle décisif dans l'analyse de l'une des caractéristiques de la culture latino-américaine et, par extension, de la culture insulaire : la capacité à digérer, à métaboliser et à s'approprier des canons, des images et des concepts étrangers. Cela contribuerait à un débat intéressant au niveau régional, nuancé par la pensée post-coloniale. Ce qui est curieux, c'est que si certains ont critiqué les conséquences du colonialisme subi dans le passé, d'autres se sont concentrés sur l'impact des formes déguisées du colonialisme contemporain, comme dans le cas de l'influence soviétique sur la culture populaire cubaine. Depuis lors, une grande partie de la production picturale s'est concentrée sur l'analyse et l'éternisation de la réponse populaire à l'influence de différents régimes de représentation et d'esthétiques étrangères.

Depuis l'émergence de la génération dite du Volume I sur l'île, le débat artistique s'est considérablement enrichi, conformément aux hypothèses de la postmodernité. En peinture, avec Flavio Garciandía - non seulement sur le plan artistique mais aussi sur le plan académique - une nouvelle question a été au centre de l'attention jusqu'à aujourd'hui : comment produire du sens dans un cadre conceptuel de plus en plus mondialisé, malgré l'a(isle)miento ? Comment orchestrer un événement artistique qui soit intrinsèquement transnational et puisse être compris au-delà des cadres locaux, à partir des fondements d'une culture dont l'obsession principale est l'autodécouverte, l'autodéfinition, l'autolégitimation ? Comment faire une peinture, à partir des hypothèses du conceptualisme, qui soit franchement bonne ?

Cette exposition réunit des artistes de différentes générations et s'articule autour d'une peinture qui est pensée et activée comme un instrument d'exploration des vérités qui traversent les cultures contemporaines ; qui creuse le champ de l'archéologie du regard. Dans les œuvres sélectionnées, la question n'est pas toujours présentée de manière visible : chacune fonctionne comme l'énonciation - ou l'activation - d'un geste critique, comme un point au sein de processus de recherche artistique de nature plus large, dont le but ultime pourrait être de mettre sous tension la taxonomie, aujourd'hui très acceptée, de la peinture. pratiques basées sur l'image. En effet, en aucun cas nous n'aurons affaire à une peinture qui cherche à se détacher de sa condition ontologique, ni de la tradition qui la précède, ni du caractère quasi-placebo qui lui a été attribué en tant qu'objet ineffable de beauté. Ici, la peinture n'a pas peur d'être peinture.

L'objet d'art conçu de ce point de vue subit un glissement de sens : ces peintures sont en réalité des archives. Inachevées. Avec une structure vivante. Denses et copieuses comme une bibliothèque. Mais il faut préciser que la notion d'archive invoquée ici ne renvoie pas seulement à l'idée d'accumulation, mais à sa racine la plus profonde : du grec arkheîon, le lieu où sont gardés les documents du pouvoir, celui qui initie et fonde un certain ordre. Luis Sicre