Eduardo Ponjuán nomme Ruy López Ouverture à sa première exposition à la galerie El Apartamento, à Madrid. Sa stratégie repose sur une analogie entre l'art et le jeu, où la Ruy López, également connue sous le nom d'ouverture espagnole, sert de prétexte pour montrer une relation entre le combat mental inhérent aux échecs et la lutte d'idées esthétiques et de conflits d'intérêts qui régit le monde de l'art, avec la conséquence implicite de gagner ou de perdre. En toile de fond, une tautologie : il s'agit d'un premier coup, d'une introduction à un contexte culturel, celui de l'Espagne, qu'il (elle) ne connaît pas. 

Au-delà des incertitudes, l'exposition, qui apparaît chaotique et cumulative, est le résultat d'un an et demi de travail. L'histoire de l'art défile sur ce podium avec des clins d'œil à Goya, Picasso, Fra Angelico, Caspar Friedrich, Velázquez, Van Gogh... ou Duchamp, qui croyait à la délectation esthétique du jeu d'échecs pour sa capacité à articuler la rigueur intellectuelle avec le hasard et le jeu. Selon lui, la pureté du jeu d'échecs ne se limite pas à son impossibilité de commercialisation, mais s'étend au mouvement des pièces sur l'échiquier en tant qu'expression de la pensée. Pensée qui, dans Ponjuán, est toujours projetée comme est(éthique), protégée par la conscience de sa liberté négative (Isaiah Berlin) face à un monde de plus en plus voué aux dystopies.

Appropriation, citation, ironie, pastiche, déconstruction, intertextualité... autant de concepts qui traversent une production marquée par la pensée théorique et culturelle postmoderne, redéfinie en Amérique latine sur la base du métissage et de la critique de sa condition périphérique par rapport aux centres de pouvoir. C'est cette circonstance qui définit son mouvement insouciant entre la haute et la basse culture, l'original et la copie, l'art et la culture. trompe-l'œil et le prêt-à-porter, Le figuratif et l'abstrait, l'analogique et le numérique. Logique pour quelqu'un qui a enseigné à plusieurs générations d'artistes cubains dans les salles de classe de l'Instituto Superior de Arte (ISA) de La Havane. 

Fidèle à lui-même, Ponjuán revient à ses recherches sur la représentation avec scepticisme. Une approche analytique de l'art marquée par l'hétérodoxie visuelle, et la projection indistincte vers le dessin, la peinture, l'objet ou l'installation, selon ses objectifs. Son comportement répond à une pensée post-conceptuelle, de rationalisation du processus créatif, désormais en fonction d'une relation cynique avec le nouveau “paradigme de la réalité” qui conduit à la numérisation, à la virtualisation et à l'esthétisation du réel. 

Ruy López Ouverture est le résultat de l'évolution de deux expositions précédentes : Pays de neige (2019), y Cartas a Théo (2022). Avec eux, elle a établi une ligne de travail où elle s'est approprié les vecteurs, maquettes, plugins..., les produits numériques créés pour les applications, les réseaux sociaux, marketing, et les matérialiser par la peinture à l'huile. Des prototypes, dont la construction en couches permet d'éditer de multiples variantes et d'accélérer les délais de production et de livraison du design contemporain. Sa visualité kitsch, Le stéréotype, idéalisé et idéalisé par rapport au référent, a trouvé en Ponjuán un exécutant impeccable pour un érotisme de la peinture qui imite le travail de l'artiste. impression numérique. 

A cette occasion, son attention a été détournée vers la art du quilting. Son appropriation d'une expression culturelle féminine n'est pas un acte d'intrusion dans le discours sur le genre. Ce qui l'intéresse, ce sont ses pochoirs figuratifs : des images modifiées par l'utilisation de la peinture. logiciel, et converties - littéralement - en motifs de représentation d'une image cubiste. naïf. Les dessins géométriques avec des légendes en couleur servent de croquis et d'outil de travail pour la matelassier améliorer leur capacité créative. Chaque quilting est unique, même si son point de départ est le même.

Ponjuán reproduit le procédé. Il choisit des scènes avec des filles irréelles, plongées dans les loisirs ou les activités domestiques. Des compositions auxquelles il ajoute des éléments naturalistes, dans un pastiche éclectique qui rompt la rigidité du motif. À d'autres moments, il profite de la synthèse offerte par un gros plan d'animaux domestiques ou sauvages. L'individualisation exigée par le genre du portrait se dilue dans une représentation impersonnelle.

Ce qui est déconcertant, c'est que chaque motif souffre de problèmes de dessin, de proportion, de perspective... ; même les versions de peintures créées à la fin du 19ème et au début du 20ème siècle par Albert Guillaume, Henri Lebasque ou Vilhelm Hammershoi. Peindre l“”erreur" devient un choix de l'absurde comme valeur. Derrière cela, il y a un détachement émotionnel, jamais une indifférence, qui est précédé par une autre décision : sa femme choisit et télécharge ces images sur Internet. Une collaboration où l'auteur se permet d'agir comme une sorte d'amanuensis, qui cherche et trouve dans la créativité amateur une expression virale de la culture. remix une révision de ses propres limites esthétiques.

Sous le slogan "Les fleurs et plantes artificielles sont faites pour durer", la collection "Les fleurs et plantes artificielles sont faites pour durer" est une collection de fleurs et de plantes artificielles. Lego botaniqueparle d'une fraîcheur éternelle où l'organique devient un matériau ABS de haute qualité. On ne l'achète pas, on le collectionne, et dans cet échange de termes, on vend un simulacre de la nature, que l'on (dé)monte et que l'on échange à loisir. L'amusement thérapeutique de chaque construction ajoute, outre le manuel d'instruction, la liberté de personnaliser les branches, les fleurs, les bourgeons et les pétales. Ponjuán appréhende cet “effet réaliste” qui incarne le fragment, l'industriel, le sériel, le décoratif, le ludique et l'interactif, à travers une série de dessins. Le geste renvoie aux processus complexes qui régissent la représentation contemporaine, hantée par la frontière ténue entre stéréotype et archétype.

Dans une veine plus hétérodoxe, une triade d'œuvres raconte chacune une dimension spécifique du désenchantement qui entoure l'art, où palpitent la perte, la crise, l'échec, l'oubli et le malaise. Mais ce discours existentiel, sous la forme de prêt-à-porter Les perceptions les plus directes se recoupent : la critique de l'institution artistique et la résistance de l'artiste au marché comme figure d'inflexion.

Cartas a Théo (2022) retrouve l'autobiographie spirituelle et artistique qui rassemble les lettres de Vincent van Gogh à son jeune frère et mécène. Des témoignages qui convergent dans un exercice sculptural de recyclageLes sabots sont une paire de vieux skis nautiques dont les sabots en bois sont recouverts de feuilles d'or 24 carats en guise de mécanisme de fixation. Les sabots nous ramènent à van Gogh et à son goût pour le jaune et les chaussures - il en a créé 26 entre peintures et dessins - que certains relient, plutôt qu'à la vie paysanne ou ouvrière, à son errance à la recherche d'une appartenance et d'une subsistance. Pour être complet, la référence à un sport de compétition, d'aventure, de glisse et de vitesse, exigeant équilibre, force, réflexes et endurance, s'apparente à un manifeste de ce dont un artiste a besoin pour survivre à son obsession. Le contexte est celui d'un homme dont la création est l'une des plus chères et des plus inestimables au monde, mais qui a vécu et s'est suicidé dans la pauvreté, l'un des exemples les plus terribles de succès posthume.

Cet échange subtil entre le public et le privé réapparaît dans Un fax à Flavio Garciandía (2026), qui est un ami et un mentor. Ponjuán combine une copie de la conception textile de Garciandía pour Telarte (1985), une initiative publique qui reliait l'art et l'industrie dans le Cuba des années 1980, et 30 cadres tapissés de sacs provenant des supermarchés Día. Bien que l'œuvre imite le conceptualisme de Daniel Buren, elle renvoie également à celle que Flavio a réalisée en collaboration avec 158 artistes cubains pendant deux semaines lors de la IXe Biennale de La Havane (2006) : L'essor ou le déclin de l'art cubain. L'insolence minimale de sa mise en scène réside dans la conversion des sacs, emblème de la subsistance quotidienne, en objet d'art. Leur nature sérielle, réutilisable, écologique, politiquement correcte, par un jeu de substitutions, discute la position de l'artiste, piégé dans une économie de l'art comme marchandise. Comme le suggérait Nietzsche : «Si vous fixez l'abîme, l'abîme vous fixera à son tour”.

Un autre aspect du même phénomène décrit Falaises blanches (2026) : 15 paires de chaussettes avec des adaptations de peintures classiques et modernes sont suspendues à une corde à linge. L'objet de leur attention est le marchandisage L'art, une procédure qui transforme l'art et le design en un récit à collectionner, sous le simulacre de la démocratisation culturelle. Simulacre car, en tant que pilier de l'économie de marché, l'art et le design sont des objets de collection. marketing et la publicité, elle reproduit les intérêts des industries culturelles. Contrairement au constructivisme, qui rejette l'art décoratif et opte pour une beauté fonctionnelle et utilitaire au service de la société, ou au Bauhaus, dont la devise est “la forme suit la fonction”, l'art décoratif n'est pas le seul à avoir des effets positifs sur la société. marchandisage se traduit par un appauvrissement de l'imagination et de la créativité dans la reproduction de l'original. Il en résulte une adaptation de ses formes aux standards d'une culture de masse, centrée sur le consommateur plutôt que sur le citoyen. Le titre de cette installation n'est pas fortuit, il appartient à un tableau du peintre romantique Caspar David Friedrich, où une femme et deux hommes se tournant le dos regardent, indistinctement, la mer et l'abîme. Encore une fois, la référence subtile à l'abîme qui éblouit et tue.

Pour Eduardo Ponjuán, la question reste la même que celle que Sartre a mise dans la bouche du Tintoret : “Le peintre est dans la nuit. Et comment peindre dans la nuit ?”. Sandra Sosa (Madrid, 8 février 2026)