Eduardo Ponjuán nomina Apertura di Ruy López alla sua prima mostra presso la galleria El Apartamento di Madrid. La sua strategia utilizza un'analogia tra arte e gioco in cui il Ruy López, noto anche come Apertura Spagnola, serve da pretesto per mostrare una relazione tra il combattimento mentale insito negli scacchi e la lotta di idee estetiche e conflitti di interessi che governa il mondo dell'arte, con la sua implicita conseguenza di vincere o perdere. Come sfondo, una tautologia: questa è una mossa iniziale, un'introduzione a un contesto culturale, quello spagnolo, che (lui) non conosce. 

Incertezze a parte, la mostra, che appare caotica e cumulativa, è il risultato di un anno e mezzo di lavoro. La storia dell'arte sfila su questa passerella con cenni a Goya, Picasso, Fra Angelico, Caspar Friedrich, Velázquez, Van Gogh... o Duchamp, che credeva nel piacere estetico degli scacchi per la loro capacità di articolare il rigore intellettuale con il caso e il gioco. Nelle sue parole, la purezza degli scacchi non si limita alla loro impossibilità di commercializzazione, ma si estende al movimento dei pezzi sulla scacchiera come espressione del pensiero. Pensiero che in Ponjuán è sempre proiettato come est(etica), protetto dalla consapevolezza della sua libertà negativa (Isaiah Berlin) di fronte a un mondo sempre più condannato alle distopie.

Appropriazione, citazione, ironia, pastiche, decostruzione, intertestualità... sono concetti che attraversano una produzione segnata dal pensiero teorico e culturale postmoderno, che in America Latina è stato ridefinito sulla base della miscegenazione e della critica alla sua condizione periferica rispetto ai centri di potere. Questa circostanza è ciò che definisce il suo spensierato movimento tra cultura alta e bassa, tra l'originale e la copia, tra l'originale e la copia, tra l'originale e la copia. trompe-l'oeil e il pronto per l'uso, Il figurativo e l'astratto, l'analogico e il digitale. Qualcosa di logico per chi ha insegnato a diverse generazioni di artisti cubani nelle aule dell'Instituto Superior de Arte (ISA) dell'Avana. 

Fedele a se stesso, Ponjuán ritorna alla sua ricerca sulla rappresentazione con scetticismo. Un approccio analitico all'arte segnato dall'eterodossia visiva e dalla proiezione indistinta verso il disegno, la pittura, l'oggetto o l'installazione, a seconda dei suoi obiettivi. Il suo comportamento risponde a un pensiero post-concettuale, di razionalizzazione del processo creativo, ora in funzione di un rapporto cinico con il nuovo “paradigma della realtà” che guida la digitalizzazione, la virtualizzazione e l'estetizzazione del reale. 

Apertura di Ruy López è un'evoluzione di due mostre precedenti: Paese della neve (2019), y Lettere a Théo (2022). Con loro ha stabilito una linea di lavoro in cui ha assunto la proprietà dei vettori, mockup, plugin..., prodotti digitali creati per app e social network, marketing, pubblicità, ecc. e li ha materializzati attraverso la pittura a olio. Prototipi, la cui costruzione a strati permette di modificare più varianti e di accelerare i tempi di produzione e consegna del design contemporaneo. La sua visualità kitsch, Lo stereotipo, idealizzato e idealizzato rispetto al referente, ha trovato in Ponjuán un esecutore impeccabile per un erotismo pittorico che imita la fattura del stampa digitale. 

In questa occasione, la sua attenzione è stata distolta dalla arte del quilting. La sua appropriazione di un'espressione culturale femminile non è un atto di intrusione nel discorso di genere. Quello che gli interessa sono i suoi stencil figurativi: immagini modificate attraverso l'uso di software, e convertiti - letteralmente - in schemi di rappresentazione di una naïf. I disegni geometrici con le legende colorate servono come strumento di schizzo e di lavoro per il quilter migliorare la loro capacità creativa. Ogni trapuntatura è unico, anche se il punto di partenza è lo stesso.

Ponjuán replica la procedura. Sceglie scene con ragazze irreali, immerse nel tempo libero o in attività domestiche. Composizioni a cui aggiunge elementi naturalistici, in un pastiche eclettico che rompe la rigidità dello schema. In altri momenti, sfrutta la sintesi offerta da un primo piano di animali domestici e selvatici. L'individualizzazione richiesta dal ritratto come genere si diluisce in una rappresentazione impersonale.

La cosa sconcertante è che ogni modello soffre di problemi di disegno, di proporzione, di prospettiva...; anche quelle versioni di dipinti create alla fine del XIX e all'inizio del XX secolo da Albert Guillaume, Henri Lebasque o Vilhelm Hammershoi. Dipingere l“”errore" diventa una scelta dell'assurdo come valore. Dietro c'è un distacco emotivo, mai un'indifferenza, che è preceduta da un'altra decisione: la moglie sceglie e scarica queste immagini da Internet. Una collaborazione in cui l'autore si permette di agire come una sorta di amanuense, che cerca e trova nella creatività amatoriale un'espressione virale della cultura. remix una revisione dei propri limiti estetici.

Con lo slogan che i fiori e le piante artificiali sono fatti per durare nel tempo, la Collezione Lego botanicoparla di un'eterna freschezza in cui il biologico diventa un materiale ABS di alta qualità. Non si compra, si raccoglie, e in questo scambio di termini si vende un simulacro della natura, che viene (dis)assemblato e scambiato a piacere. Il divertimento terapeutico di ogni costruzione aggiunge, oltre al manuale di istruzioni, la libertà di personalizzare rami, fiori, boccioli e petali. Ponjuán coglie questo “effetto realistico” che incarna il frammento, l'industriale, il seriale, il decorativo, il ludico e l'interattivo, attraverso una serie di disegni. Il gesto ritorna ai complessi processi che regolano la rappresentazione contemporanea, ossessionata dal labile confine tra stereotipo e archetipo.

In un'ottica più eterodossa, una triade di opere racconta ciascuna una dimensione specifica del disincanto che circonda l'arte, dove pulsano perdita, crisi, fallimento, oblio e disagio. Ma questo discorso esistenziale, sotto forma di pronto per l'uso La percezione più diretta si sovrappone: la critica dell'istituzione artistica e la resistenza dell'artista al mercato come figura di inflessione.

Lettere a Théo (2022) recupera l'autobiografia spirituale e artistica che riunisce le lettere di Vincent van Gogh al fratello minore e al mecenate. Testimonianze che confluiscono in un esercizio scultoreo di upcyclingGli zoccoli sono un paio di vecchi sci d'acqua con zoccoli di legno ricoperti di foglia d'oro 24k come meccanismo di fissaggio. Gli zoccoli ci riportano a van Gogh e alla sua predilezione per il giallo e le scarpe - ne creò 26 tra dipinti e disegni - che alcuni mettono in relazione, più che alla vita contadina o operaia, al suo vagabondare in cerca di appartenenza e sussistenza. Per completezza, il riferimento a uno sport competitivo di avventura, scivolamento e velocità, che richiede equilibrio, forza, riflessi e resistenza, equivale a un manifesto di ciò di cui un artista ha bisogno per sopravvivere alla sua ossessione. Il suo background è l'uomo la cui creazione è una delle più costose e inestimabili al mondo, ma che ha vissuto e si è suicidato in povertà, uno dei più terribili esempi di successo postumo.

Questo sottile interscambio tra pubblico e privato riappare in Un fax a Flavio Garciandía (2026), che è un amico e un mentore. Ponjuán combina una copia del disegno tessile di Garciandía per Telarte (1985), un'iniziativa pubblica che collegava l'arte e l'industria nella Cuba degli anni Ottanta, e 30 cornici rivestite con sacchetti dei supermercati Día. Sebbene l'opera imiti il concettualismo di Daniel Buren, essa rimanda anche a quella realizzata da Flavio in collaborazione con 158 artisti cubani durante le due settimane della IX Biennale dell'Avana (2006): Ascesa o declino dell'arte cubana. L'insolenza minima della sua messa in scena sta nella conversione delle borse, emblema della sussistenza quotidiana, in oggetto d'arte. La loro natura seriale, riutilizzabile, ecologica, politicamente corretta, attraverso un gioco di sostituzioni, discute la posizione dell'artista, intrappolato in un'economia dell'arte come merce. Come suggeriva Nietzsche: «Se guardi nell'abisso, l'abisso ti guarderà”.

Un altro aspetto dello stesso fenomeno descrive Scogliere bianche (2026): 15 paia di calzini con adattamenti di dipinti classici e moderni sono appesi a uno stendino. L'oggetto della loro attenzione è il merchandising L'arte, una procedura che trasforma l'arte e il design in una narrazione collezionabile, sotto il simulacro della democratizzazione culturale. Simulacro perché, in quanto pilastro della marketing e pubblicità, riproduce gli interessi dell'industria culturale. A differenza del Costruttivismo, che rifiutava l'arte decorativa e optava per una bellezza funzionale e utilitaristica al servizio della società, o del Bauhaus, con il suo motto “la forma segue la funzione”, il merchandising si traduce in un impoverimento dell'immaginazione e della creatività nella riproduzione dell'originale. Il risultato è un adattamento delle sue forme agli standard di una cultura di massa, incentrata sul consumatore piuttosto che sul cittadino. Il titolo di questa installazione non è casuale: appartiene a un quadro del pittore romantico Caspar David Friedrich, dove una donna e due uomini di spalle guardano, indistintamente, il mare e l'abisso. Ancora una volta il sottile riferimento all'abisso che abbaglia e uccide.

Per Eduardo Ponjuán la domanda rimane la stessa che Sartre mise in bocca a Tintoretto: “Il pittore è nella notte. E come dipingere nella notte?”. _Sandra Sosa (Madrid, 8 febbraio 2026)