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PT FOIRE D'ART MIRA, 2024
Juan Carlos Alom - Ariel Cabrera - Roberto Diago -
Diana Fonseca - Alex Hernández - Pablo Linsambarth
18 - 22 septembre 2024
Stand : A5
L'identité culturelle en Amérique latine est marquée par l'impact que de multiples récits de vie ont eu sur l'imaginaire collectif. Souvent, l'anonymat a été leur principal soutien ; dans des occasions plus heureuses, ils ont atteint la cause de la voix populaire et ont été transmis de génération en génération comme un faible murmure. Cependant, au cours des deux dernières décennies, l'art contemporain est devenu le moyen de raconter, de partager, d'analyser, d'archiver et d'éterniser ces micro-histoires.
La sélection d'œuvres présentées à MIRA ART FAIR, dans son ensemble, affirme la validité du portrait personnel comme substitut au portrait collectif. La migration et la résistance culturelle sont quelques-uns des thèmes récurrents dans les œuvres de Juan Carlos Alom, Ariel Cabrera, Roberto Diago, Diana Fonseca, Alex Hernández et Pablo Linsambarth. À partir de positions qui cherchent constamment à se définir, ces artistes nous invitent à réfléchir à l'importance de décoloniser les perceptions collectives à partir d'un prisme qui englobe l'humain plutôt que le culturel.
Curieusement, les récits de ces artistes se rejoignent dans le mystique, le folklorique et le festif. Les images revisitées par Alex Hernández dans son œuvre État naturel et les ingénieuses méta-peintures de Diana Fonseca, issues de sa série Dégradationnous invitent à analyser d'un point de vue culturel ce que l'histoire contemporaine conceptualise comme décadence. D'autre part, les êtres totémiques de Roberto Diago, dont les vies semblent se dérouler parallèlement aux personnages lascifs d'Ariel Cabrera, nous permettent d'humaniser certains des grands conflits sociaux de notre région. Enfin, les visions post-modernistes de Juan Carlos Alom et Pablo Linsambarth nous entraînent dans le cosmos de la culture latine contemporaine, pleine de forts contrastes.
République de Cuba, 2012
Argent sur gélatine
35 x 35 cm (13.8 x 13.8 in)
P/A 3 (Edition de 3 + 3 P/A)
Juan Carlos Alom est l'un des créateurs les plus remarquables dans les domaines de la photographie cubaine et du cinéma documentaire et expérimental. Son œuvre participe, avec celle d'autres grands artistes, à l'élan générationnel des années 1990, déterminé à oxygéner l'ancienne culture cubaine.
L'œuvre d'Alom rend compte des habitudes, des croyances et des affections de la plèbe cubaine. L'œuvre d'Alom rend compte des habitudes, des croyances et des affections de la plèbe cubaine. S'appuyant sur la spontanéité et le potentiel expressif du portrait "domestique", il articule un langage sec mais percutant pour raconter l'histoire de l'homme de tous les temps. La précarité qui traverse nombre de ses œuvres et l'utilisation presque exclusive du noir et blanc, plutôt que des marqueurs socio-économiques ou des outils esthétiques, fonctionnent comme des gestes d'exploration métaphysique des Cubains ancrés dans la post-histoire de la révolution cubaine.
La Convention, 2024
Extrait de la série Tregua Fecunda
Huile sur lin
162,5 x 162,5 cm (64 x 64 in)
Dans ses œuvres, Ariel Cabrera sélectionne des images tirées de documents patrimoniaux préétablis afin d'explorer des zones accidentées et des aspects peu abordés par l'histoire cubaine et nord-américaine, en faisant dialoguer avec la peinture des références liées aux débuts de la photographie et de ses formes. En outre, il propose des scénarios sur les événements militaires des luttes pour l'indépendance, créant simultanément des événements et des dialogues historiographiques supposés qui soumettent l'histoire en général à un examen minutieux, où le sarcasme, l'érotique-burlesque et le ludique sont présents, dans des luttes romantiques et des scènes intimes qui prennent la forme de notes et de récits de campagne.
Femme, 2023
Sculpture en bronze
47 x 60 x 22 cm (18,5 x 23,6 x 8,7 in)
Ed. 2 (Edition de 3)
Roberto Diago examine la condition des Afro-descendants cubains dans le territoire social de la révolution. Sa vision culturelle et sociologique lui permet de comprendre pleinement les effets des processus coloniaux sur les nations qui les ont subis. Ces traces sont visibles dans les niveaux de marginalisation et de ségrégation, mais aussi dans les niveaux épistémiques et linguistiques. Diago dénonce, expose et développe des exercices de résistance culturelle qui lui permettent de parler à partir d'une altérité consciente et marron qui revendique d'autres appartenances religieuses, d'autres canons de beauté et d'autres visions du monde blanc qui habite l'Occident.
Sans titre, de la série Dégradation, 2023
Fragments de peinture collectés sur des façades d'immeubles de La Havane, sur bois.
150 x 150 cm (59 x 59 in)
Diana Fonseca est une artiste qui se consacre au démontage quasi obsessionnel des choses simples et des événements quotidiens qui l'entourent. Peut-être pour cette raison, ou en raison de la propension lyrique de son travail, elle capture des images variées de la réalité et les relie à des discours qui parlent de la vie contemporaine et de sa saturation.
du vide et de la banalité, du léger et de l'attachant. Dans une position proche de celle du monteur de cinéma, le travail de Fonseca fonctionne comme un collage, une sorte de mosaïque palimpseste où réalité et fiction se côtoient. Pour elle, il est fondamental de s'interroger sur nos mécanismes perceptifs (pourquoi nous voyons ce que nous voyons) et sur la manière dont s'élaborent les discours.
autour du réel (pourquoi nous disons ce que nous disons). Sur la base de ces principes, Diana aborde sans crainte l'esthétique minimaliste, la notion d'inachevé, la fabrication et la simplicité de visuels qui privilégient la gestualité par rapport à la force des récits totalisants.
Les Degradaciones de Diana Fonseca sont des pièces structurées à partir de couches de peinture provenant de différentes façades de La Havane. Cette superposition aléatoire des restes déjà solides d'anciennes couches de peinture génère une visualité abstraite qui capture néanmoins l'histoire de la ville, des histoires personnelles et collectives, plus ou moins anonymes, désormais réarticulées dans une œuvre autonome. Le titre lui-même indique déjà l'idée de la série : la dégradation, la dégradation dans un sens temporel et physique - de détérioration, de décoloration, d'oubli - et aussi, bien sûr, dans une dimension plus symbolique.
État naturel, 2018-2024
Conception de modèles basée sur
image d'archives / Impression à l'encre pigmentaire sur papier coton Hahnemühle William Turner 310 g/m2 / Nids d'abeilles sur une grille de
plastique, bois et cire naturelle / 83 x 63 cm (32.7 x 24.8 in)
Estado Natural est une expérience en cours dans laquelle la structure interne de plusieurs nids d'abeilles Apis a été transformée. Les cellules hexagonales de cire y sont remplacées par des trames dont les géométries sont empruntées aux formes qui régissent l'action et l'intervention humaines. Un parallélisme est ainsi établi entre les éléments fabriqués par l'homme et les structures naturelles préexistantes. L'objectif est d'induire les abeilles dans une ligne constructive différente de leur cycle biologique, de l'imposition de structures étrangères et non naturelles. Avec la collaboration d'un groupe d'apiculteurs de la banlieue de La Havane, les colonies ont été transférées de leurs espaces d'origine à des nids d'abeilles artificiels en méthacrylate et recouverts de cire. Toutes présentent des grilles géométriques internes d'une grande diversité visuelle, inspirées par l'interprétation conceptuelle de référents tels que les favelas, les prisons, les parcelles urbaines, le polygraphe, les porte-avions, entre autres. Au cours des premières semaines, certains résultats ont été obtenus et ont pu être montrés. Cependant, comme tout processus naturel, ces expériences dépendent d'un moment spécifique. D'où l'intention de documenter les différentes phases et expériences, ainsi que de montrer leurs résultats partiels, sans violer leur propre logique temporelle. Afin de montrer la complexité de cette recherche et compte tenu de la caractéristique processuelle qui la détermine, cette installation présentera plusieurs niveaux morphologiques.
Promenade en péniche, 2024
Huile sur toile
170 x 160 x 4 cm (70 x 63 x 1,6 in)
Pablo Linsambarth s'intéresse particulièrement au langage confus que la "mémoire politique" génère lorsqu'elle s'inscrit dans les réseaux denses de la culture contemporaine. Son travail prend comme point de départ le recours à différents types d'archives.
(images, littérature, presse, réseaux sociaux), en particulier les archives personnelles ou familiales. Pendant son enfance, ses parents étaient liés à des mouvements sociaux contre la dictature militaire chilienne, de sorte que toutes les informations dérivées de sa mémoire précoce convergent avec celles de sa famille et sont intégrées dans les imaginaires qu'elle consomme aujourd'hui : ses mondes visuels, la musique qu'elle écoute et les lieux qu'elle habite. Cela génère un récit profondément fragmenté et énigmatique qui fait de son travail une proposition très particulière. Linsambarth manipule différents médias tels que la vidéo, l'installation, la peinture, le dessin et la sculpture en céramique, mais son mode de narration est essentiellement pictural.
points de vue
