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PT Foire d'art Felix, 2025
Eloy Arribas - Ariamna Contino - Arlés del Río - Roberto Diago - Carlos Garaicoa - Rocío García - Diana Fonseca - Los Bravú - Nacho Martín Silva
19 - 23 février, 2025
Hollywood Roosevelt Hotel, Chambre : 1238, Los Angeles (USA)
Dans cette édition de Felix Art Fair, nous avons voulu explorer, à travers une sélection ludique et contrastée d'œuvres d'artistes latino-américains, la ductilité d'un concept tel que l'identité. Les imaginaires d'une rive à l'autre de l'Atlantique convergent pour oxygéner les sphères de réflexion collective des sociétés contemporaines qui s'entremêlent aujourd'hui dans le lien de plus en plus intense entre l'art latino-américain, l'art des artistes latino-américains de la diaspora et l'art espagnol.
Le Palais 47, 2024
Strappo en acrylique et huile sur toile
162 x 130 cm (63 x 51.2 in)
Cette série de peintures est réalisée à l'aide d'une technique unique : les dessins sont produits en utilisant la méthode de l'image de synthèse. strappodans laquelle les surfaces picturales sont dessinées à partir d'un seul moule en cire qui est continuellement modifié à chaque dessin. Cette technique établit une généalogie bidirectionnelle entre les différents dessins, ce qui permet à tout moment de situer chaque pièce dans l'ensemble et d'identifier ses prédécesseurs et ses successeurs immédiats. Comme dans un palais à infilata di stanze (une suite de pièces), où l'on ne peut accéder à la pièce suivante sans passer par la précédente, cette méthode incarne une conception physique du temps : il s'écoule au fur et à mesure, et la pièce (ou le dessin) est prise comme unité de mesure.
Le dessin précédent n'étant pas effacé du moule en cire, les traces des œuvres antérieures subsistent et s'effacent partiellement au fur et à mesure de l'avancement de la série (et du parcours). De cette manière, et sous le postulat de la représentation de figures essentielles (plantes, architecture, personnage, etc.), l'accumulation de marques et de résidus abstrait progressivement la figuration originale, entrant dans un jeu subtil d'obfuscation et de dissimulation.
Le Palais 49, 2024
Strappo en acrylique et huile sur toile
150 x 130 cm (63 x 51.2 in)
Cette série de peintures est réalisée à l'aide d'une technique unique : les dessins sont produits en utilisant la méthode de l'image de synthèse. strappodans laquelle les surfaces picturales sont dessinées à partir d'un seul moule en cire qui est continuellement modifié à chaque dessin. Cette technique établit une généalogie bidirectionnelle entre les différents dessins, ce qui permet à tout moment de situer chaque pièce dans l'ensemble et d'identifier ses prédécesseurs et ses successeurs immédiats. Comme dans un palais à infilata di stanze (une suite de pièces), où l'on ne peut accéder à la pièce suivante sans passer par la précédente, cette méthode incarne une conception physique du temps : il s'écoule au fur et à mesure, et la pièce (ou le dessin) est prise comme unité de mesure.
Le dessin précédent n'étant pas effacé du moule en cire, les traces des œuvres antérieures subsistent et s'effacent partiellement au fur et à mesure de l'avancement de la série (et du parcours). De cette manière, et sous le postulat de la représentation de figures essentielles (plantes, architecture, personnage, etc.), l'accumulation de marques et de résidus abstrait progressivement la figuration originale, entrant dans un jeu subtil d'obfuscation et de dissimulation.
Extrait de la série Manigua, Platanal, 2025
Papier découpé à la main / carton Fabriano 300 g, pressé à froid, sans acide, et verre de musée.
83 x 83 cm (32.6 x 32.6 in)
Ariamna Contino construit ses œuvres en utilisant la technique rituelle et extrêmement méticuleuse du "papier ajouré". Cette procédure contraste avec les sujets qu'elle traite, qui sont presque toujours ancrés dans des phénomènes controversés et très actuels. Ariamna développe un intérêt particulier pour les questions historiques, environnementales et socioculturelles, posant un regard curieux sur les conflits et les phénomènes en cours qui nécessitent une révision constante. À partir des données qu'elle recueille dans le cadre de ses recherches, elle compose ses propres récits visuels sur des questions telles que le trafic de drogue en Amérique latine, la narco-esthétique, l'économie souterraine à Cuba, le commerce d'informations classifiées, entre autres.
Récemment, le travail de Contino a commencé à se concentrer sur les zones interstitielles entre le monde naturel et le monde culturel. Dans cette perspective, il explore de nouvelles approches de l'identité nationale et construit d'autres physionomies de l'insularité.
Sans titrede la série Des dimensions considérables, 2019
Bronze coulé
Dimensions variables
Arlés del Río fonde sa pratique artistique sur l'exploration approfondie des dynamiques sociales et culturelles qui façonnent la réalité. Son travail naît d'un dialogue constant entre les associations graphiques ou conceptuelles de tous les phénomènes sociaux et/ou culturels et les matériaux et objets trouvés, qu'il manipule, reproduit ou réinterprète pour incarner des illusions, des utopies et des questions idéologiques et existentielles.
L'espace et son contexte sont des éléments essentiels de son processus créatif, servant de point de départ au développement d'idées dans des lieux spécifiques. Les dimensions, les matériaux et les supports utilisés (sculpture, peinture, installation, photographie, dessin, entre autres) constituent la base de son processus créatif.
Les œuvres d'art sont des ressources subordonnées dans la représentation de ces idées, ce qui permet un placement fonctionnel et une interaction significative du spectateur avec ses œuvres. Cette approche nous invite à réfléchir au rôle de l'art dans notre perception du monde et à la possibilité de le transformer.
De la série Hombre del Monte, 2023
Sculpture en bronze
60 x 40 x 27 cm (23,6 x 15,7 x 10,6 in)
Edition de 3
Roberto Diago examine la condition de l'afro-descendant cubain dans le territoire social de la révolution. Sa vision culturelle et sociologique comprend parfaitement les effets des processus coloniaux sur les nations qui les ont subis. Ces traces sont visibles au niveau de la marginalisation et de la ségrégation ainsi qu'aux niveaux épistémique et linguistique.
Diago dénonce, expose et développe des exercices de résistance culturelle qui lui permettent de parler à partir d'une altérité consciente et marron, en revendiquant d'autres appartenances religieuses, d'autres canons de beauté et d'autres visions du monde blanc qui habite l'Occident.
De la série Puzzles : Deux frères, 2022
Photographie en noir et blanc imprimée sur un puzzle, photographie
laminé sur Dibond, bois, plexiglas
49,5 × 39,5 × 9,5 cm (19,5 x 15,6 x 3,7 in)
Ed. 3 + 2 P/A
Le travail de Carlos Garaicoa développe un dialogue entre l'art et l'espace urbain à travers lequel il étudie la structure des villes contemporaines. À partir d'une approche pluridisciplinaire, Garaicoa aborde des questions culturelles et politiques, notamment cubaines, à travers l'étude de l'architecture, de l'urbanisme et de l'histoire. L'un de ses principaux centres thématiques est la Havane post-révolutionnaire, où il a développé une grande partie de son travail et dont il a été le témoin direct de la détérioration et du délabrement urbain. À travers la sculpture, le dessin, la vidéo, la photographie et l'installation, l'artiste a abordé, par le biais de récits et de critiques, l'architecture utopique et l'effondrement des principaux centres urbains.
Les idéologies du 20e siècle.
Le toast, 2025
Huile sur toile
91 x 122 cm (36 x 48.3 in)
La formation de peintre de Rocío García a été influencée par deux écoles fondamentales. D'une part, l'école cubaine, où elle a terminé ses études intermédiaires en 1975 à l'Académie San Alejandro de La Havane ; d'autre part, l'expérience russe - grâce à la bourse qu'elle a obtenue à l'Académie des beaux-arts "Repin" de Saint-Pétersbourg. Ces deux traditions picturales ont été essentielles pour l'articulation de son œuvre.
une œuvre très personnelle dans laquelle convergent l'utilisation expressive et symbolique de la couleur, la simplicité énergique du dessin et la création théâtrale de contenus narratifs marqués. L'union de ces éléments, ainsi que les thèmes favoris de l'artiste (dans de nombreux cas d'affiliation homoérotique), catalysent dans les toiles comme des scènes énigmatiques, des moments où les personnages sont surpris dans l'intimité. Son travail rappelle la logique cinématographique, dans laquelle une idée est fermée.
sur elle-même à partir de la composante séquentielle.
Vase de combat de coqs, 2024
Acrylique sur toile
100 x 80 cm (39.4 x 31.5 in)
Dea Gómez et Diego Omil travaillent ensemble depuis 2012 sous le nom de "Los Bravú", un terme galicien utilisé pour désigner l'odeur des animaux. Ils se sont aventurés sur différents supports : bande dessinée, dessin, céramique, peinture, sculpture et installation. Leur langage pictural particulier, au ton figuratif, assaisonné de fantaisies légèrement surréalistes et d'une virtuosité néo-maniériste, se distingue par son utilisation méthodique du collage et de la fusion. Le duo mélange le design contemporain, les fanzines, les médias de masse et une esthétique académique qui rappelle les maîtres de la Renaissance italienne (15e et 16e siècles) et le réalisme magique (première moitié du 20e siècle). En outre, ils mélangent différentes manières de peindre sur une même toile, de sorte que chaque élément de leurs pièces possède une identité intransmissible traversée par la culture urbaine, la culture urbaine et vernaculaire, la fascination et l'ironie.
Sans titre, 2024
Huile sur toile
50 x 38 cm (15 x 13 in)
"La peinture de Martín Silva pourrait être décrite comme une peinture de transport et de remise en question. Transport, non seulement parce que, même en utilisant ce terme d'architecture, le peintre peut
L'atelier de l'artiste semble devenir une sorte de dépôt, un entrepôt dans lequel s'accumulent des images et des œuvres - ou des tentatives d'œuvres - qui peuvent, des années plus tard, trouver un sens qu'elles n'avaient pas lorsqu'elles ont été mises de côté, rejetées en raison de leur manque de pertinence et d'opportunité. L'atelier devient une sorte de cave ; ces matériaux voient passer le temps et l'artiste revient vers eux, vers le tonneau, pour - maintenant oui - les ranger, les récupérer. Cela fait aussi de l'atelier une sorte d'archive de cartographies ; dans le désordre, au milieu du processus de recherche, presque de dérive désintéressée à travers tout ce qui s'est accumulé, l'auteur peut tomber sur des renoncements ou des tentatives qui, avec le temps ou les circonstances de chaque projet, peuvent les transformer en matériaux valables et utiles et, avec le temps ou les circonstances de chaque projet, en une sorte d'archive de cartographies, une sorte d'archive de cartographies.
Il s'agit d'une sorte de flash-back, d'un retour au passé à travers ces vestiges qui montrent comment des solutions ou des voies nouvellement inaugurées (...)".
(Série Pocket : Nacho Martín Silva par Juan Francisco Rueda. NocaPaper. 2016)