Tangere

– Juan Francisco Rueda (commissaire de l'exposition)

Le mot latin « tangere » est l'infinitif du verbe “ toucher ”, “ atteindre ” ou “ être en contact ”. De ce mot dérivent “ tangible ” (ce qui est perçu physiquement ou matériellement au toucher), “ toucher ” (la capacité sensorielle de toucher) ou “ contact ” (ce qui est touché ou demande à l’être). ‘ Tangere ’ est le titre de l’exposition de Nacho Martín Silva à La Térmica. Artiste dont le principal moyen d’expression est la peinture – mais pas le seul –, “ tangere ” occupe la place du titre en raison de l’importance que revêt le toucher dans le processus de recherche de ce projet, ainsi qu’en référence à l’histoire de la peinture, au passage biblique, dans l’Évangile selon saint Jean, du « Noli me tangere » que différents peintres (Titien ou Alonso Cano) ont représenté au fil des siècles. Dans ce passage, Jésus ressuscité lance à Marie-Madeleine : « Ne me touche pas ». Cette scène nous a légué, dans la peinture religieuse, de nombreuses tentatives de toucher, de rendre tangible et de s’accrocher à la présence. C’est entre le fait de pouvoir voir et celui de ne pas pouvoir le faire, et entre le fait de pouvoir toucher et celui de ne pas pouvoir le faire, que se développe cette proposition d’exposition.

En 1913, au Sunderland Museum, au Royaume-Uni, John Alfred Charlton Deas, conservateur de cette institution, a mis en place des séances pionnières en matière d’inclusion, au cours desquelles des personnes aveugles découvraient les objets de la collection par le toucher. Cette initiative a été documentée par des photographies et relatée dans le texte ‘ Ce que les aveugles peuvent ’voir” ». Nacho Martín Silva, fin dénicheur de documents historiques, qui les examine d’un œil scrutateur et leur donne un nouveau sens à travers sa peinture révélatrice, a été bouleversé à la découverte de ces photographies. Ces clichés, recréés dans les œuvres qu’il peint pour cette exposition, établissaient des liens avec ses centres d’intérêt : la résistance à la dictature de l’image ou la dimension des musées et de la peinture en tant que domaines de connaissance.

« Tangere » est un projet expérimental et expérientiel qui a permis de mettre en place une collaboration avec l’ONCE. Six membres de cette organisation ont participé au processus de recherche et de production, nous offrant ainsi un jeu de miroirs dans lequel des personnes en situation de handicap visuel touchent des peintures représentant des personnes aveugles palpant des sculptures. Par moments, les mains d’Amparo, Carmen, José Antonio, Julia, Lía et José María (aux côtés d’Ana, leur médiatrice en communication) se sont posées sur les mains, peintes par Martín Silva, de ces non-voyants anonymes. Cependant, le jeu de miroirs le plus puissant est celui qui s’établit par rapport à des notions telles que l’interprétation, la traduction, la médiation ou le langage. « Tangere » permet à Martín Silva de poursuivre sa réflexion sur la manière dont la connaissance d’un objet dépend de l’approche que les traducteurs, interprètes, médiateurs ou créateurs de sens en donnent. Et un artiste, c’est tout cela. Chacun d’entre nous l’est également : nous traduisons, interprétons, médions, donnons du sens. Ces photographies deviennent désormais des œuvres monumentales fragmentées. Dans ces compositions picturales, l’image s’articule en dizaines d’unités, chacune adoptant des langages picturaux distincts et des degrés d’iconicité variés ; du reconnaissable à l’hermétisme, de la figuration la plus fidèle à l’abstraction. En soi, il s’agit de multiples traductions ou interprétations d’un même objet qui offrent une résistance visuelle et conditionnent notre interprétation.

Dans ce jeu de miroirs qu’est devenu *Tangere*, Martín Silva s’est servi de l’écphrasis (description verbale d’une image ou d’une œuvre d’art) de l’une des photographies pour que les personnes aveugles la traduisent de manière plastique ; après avoir préalablement touché la peinture que l’artiste lui-même avait réalisée à partir de cette image photographique. Les personnes aveugles ont utilisé leurs mains pour cela, de sorte que, comme l’écrivait John Alfred Charlton Deas il y a plus d’un siècle, “ pour elles, leurs doigts sont des yeux ”. Au cours du processus de recherche de Tangere, entre un naturel absolu et une émotion palpitante, certaines personnes aveugles, après avoir touché la peinture, ont déclaré l’avoir vue et n’avoir jamais imaginé qu’elles pourraient à nouveau contempler une œuvre d’art. Ainsi, l’image est perçue par la parole (l’ouïe) et le toucher, qui stimulent l’imagination afin que celle-ci, dans un va-et-vient, fasse naître diverses interprétations visuelles.

Les traductions et les langages s’accumulent en grand nombre dans « Tangere » : outre les langages picturaux hétéroclites déployés par Martín Silva, on y trouve le verbal, les différentes manières de transposer en image les sensations tactiles et la parole, le braille ou la langue des signes soutenue. Différentes formulations et différents codes pour un même objet ou une même expérience. Tant la vidéo, qui se trouve dans l’espace de projection, que la pièce audio, intégrée à l’espace d’exposition pour créer une ambiance sonore, bien qu’elles s’appuient sur la documentation des séances de travail avec les personnes aveugles et la personne en surdicécité, dépassent largement le simple caractère illustratif ou documentaire. En effet, elles partagent entre elles un même concept, qui n’est autre que celui de la peinture même de Martín Silva. Autrement dit, la priorité est donnée au fragment, à la mosaïque de sons et d’images, à l’expérience kaléidoscopique.

Elles acquièrent ainsi le statut à part entière d’œuvres d’art, et non une fonction subsidiaire, purement documentaire. De plus, si Martín Silva s’oppose à la dictature de l’image, en complexifiant et en redonnant du sens aux images qu’il prend pour modèles dans sa peinture, à travers les plans et les découpes du visuel et du sonore, l’artiste procède de la même manière, en démembrant et en façonnant une autre réalité, une référence qui s’écarte de l’origine pour acquérir des perspectives et des dimensions différentes, nouvelles. De plus, le son et l’image sont dissociés, formant séparément deux œuvres. Si les sons font appel, en premier lieu, au sens de l’ouïe, la vue et le toucher sont immédiatement mis à contribution : nous entrevoyons – nous imaginons, nous les traduisons en images, au sens propre du terme – à travers la parole prononcée et entendue, et nous pouvons même sentir le frôlement des doigts des personnes aveugles glisser sur la peinture de Nacho Martín Silva. La vidéo, quant à elle, nous transporte vers le toucher, vers une chorégraphie de mouvements et de gestes agencés de telle sorte que, pour paraphraser John Alfred Charlton Deas, leurs doigts deviennent leurs yeux. Cela nous rappelle le rôle fondamental que l’architecte Juhani Pallasmaa accordait au toucher dans deux ouvrages essentiels : *Les yeux de la peau* (1996) et *La main qui pense* (2012).

Le montage de cette œuvre fragmentée, en dialogue avec les descriptions en braille qu’en font deux adhérentes de l’ONCE, met en confrontation deux langages : celui de la peinture et celui d’un système d’écriture et de lecture tactile. Dans tous les cas, il s’agit dans les deux cas d’interprétations. Celle de Martín Silva d’une image photographique, celle de Carmen et Amparo du tableau de ce dernier, créant ainsi une sorte de mise en abîme : une photographie sous-tend une image picturale et celle-ci sous-tend un récit verbal. C’est précisément à partir de ce récit verbal, d’une description d’une photographie utilisée par Martín Silva lui-même, que les personnes aveugles qui collaborent à l’œuvre créent leur traduction plastique, leur interprétation graphique. Cette photographie est la même que celle que le peintre utilise pour la transposer dans sa peinture, une œuvre qui est dispersée dans la salle. Ainsi, les seules traces qui subsistent dans cette exposition de cette œuvre dans son intégralité sont les six gaufrages réalisés par les personnes en situation de handicap visuel et l’écphrasis (la description) de cette image. Un geste de plus de résistance à la dictature de l’image, à la certitude de son caractère univoque et objectif.