Untitled Art, 2024
Eloy Arribas - Ariel Cabrera - Ariamna Contino - Roberto Diago - Carlos Garaicoa - Flavio Garciandía - Fuentesal Arenillas - Miki Leal - Los Bravú - Eduardo Ponjuán
4 - 8 dicembre 2024
Stand: B17


In questa edizione di Untitled Art Miami Beach abbiamo voluto esplorare, attraverso una divertente e contrastante selezione di opere di artisti ispanoamericani, la duttilità di un concetto come quello di Atlantismo. Immaginari provenienti da una sponda e dall'altra dell'Atlantico convergono per ossigenare le sfere di riflessione collettiva delle società contemporanee che si intrecciano oggi nel legame sempre più intenso tra l'Arte latinoamericana, l'arte realizzata da artisti latinoamericani della diaspora e l'Arte spagnola.


Strappo in acrilico e olio su tela
162 x 130 cm (63 x 51,2 pollici)
Questa serie di dipinti è realizzata con una tecnica unica nel suo genere: i disegni sono prodotti utilizzando il metodo del strappoin cui le superfici pittoriche sono ricavate da un unico stampo in cera che viene continuamente modificato a ogni disegno. Questa tecnica stabilisce una genealogia bidirezionale tra i diversi disegni, assicurando che, in qualsiasi momento, sia possibile tracciare la posizione di ogni pezzo all'interno dell'insieme e identificare i suoi predecessori e immediati successori. Come in un palazzo con un infilata di stanze (una suite di stanze), dove la stanza successiva non può essere raggiunta senza passare per quella precedente, questo metodo incarna una concezione fisica del tempo: esso passa mentre si va avanti, e la stanza (o il disegno) è presa come unità di misura.
Poiché il disegno precedente non viene cancellato dallo stampo in cera, le tracce delle opere precedenti rimangono e in parte svaniscono con il progredire della serie (e del viaggio). In questo modo, e con la premessa di rappresentare figure essenziali (piante, architettura, figura, ecc.), l'accumulo di segni e residui astrae gradualmente la figurazione originale, entrando in un sottile gioco di offuscamento e occultamento.

Lo sviluppatore, dalla serie dei parchi tematici, 2024
Olio su lino
183 x 183 (72 x 72 pollici)
Nelle sue opere, Ariel Cabrera seleziona immagini tratte da documenti patrimoniali prestabiliti per approfondire aree complesse e aspetti poco esplorati della storia di Cuba e degli Stati Uniti. Stabilisce riferimenti legati agli inizi della fotografia e alle sue forme, generando un dialogo con la pittura. Inoltre, propone scenari sugli eventi militari delle lotte per l'indipendenza, creando eventi simultanei e ipotetici dialoghi storiografici che sottopongono la storia in generale a un esame, dove il sarcasmo, l'erotico-burlesco e il gioco sono presenti in lotte romantiche e scene intime concepite come note di campagna e racconti.
I visitatori, 2024
Olio su lino
200 x 200 (78 x 78 pollici)
Nelle sue opere, Ariel Cabrera seleziona immagini tratte da documenti patrimoniali prestabiliti per approfondire aree complesse e aspetti poco esplorati della storia di Cuba e degli Stati Uniti. Stabilisce riferimenti legati agli inizi della fotografia e alle sue forme, generando un dialogo con la pittura. Inoltre, propone scenari sugli eventi militari delle lotte per l'indipendenza, creando eventi simultanei e ipotetici dialoghi storiografici che sottopongono la storia in generale a un esame, dove il sarcasmo, l'erotico-burlesco e il gioco sono presenti in lotte romantiche e scene intime concepite come note di campagna e racconti.

Carta tagliata a mano / cartoncino Fabriano da 300 g, pressato a freddo, privo di acidi e vetro da museo.
160 x 160 cm (63 x 63 in)
Ariamna Contino costruisce le sue opere con la tecnica rituale ed estremamente meticolosa della "carta traforata". Questo procedimento contrasta con i temi trattati, quasi sempre ancorati a fenomeni controversi e di grande attualità. Ariamna sviluppa un interesse particolare per le questioni storiche, ambientali e socioculturali, rivolgendo uno sguardo indagatore ai conflitti in corso e ai fenomeni che richiedono una costante revisione. A partire dai dati raccolti nelle sue ricerche, compone le proprie narrazioni visive su temi come il traffico di droga in America Latina, la narcoestetica, l'economia sommersa a Cuba, il commercio di informazioni riservate, tra gli altri.
Recentemente, il lavoro di Contino ha iniziato a concentrarsi sulle zone interstiziali tra il mondo naturale e quello culturale. Da questa prospettiva, esplora nuovi approcci all'identità nazionale e costruisce altre fisionomie dell'insularità.

Senza titolo, 2024
Bronzo, tessuto e legno
64 x 40 x 38 cm (25,2 x 15,7 x 15 in)
Roberto Diago esamina la condizione dell'afro-discendente cubano nel territorio sociale della Rivoluzione. La sua visione culturale e sociologica comprende appieno gli effetti dei processi coloniali sulle nazioni che li hanno subiti. Queste tracce sono visibili a livello di emarginazione e segregazione, nonché a livello epistemico e linguistico.
Diago denuncia, espone e sviluppa esercizi di resistenza culturale che gli permettono di parlare da un'alterità consapevole e maroon, rivendicando altre appartenenze religiose, altri canoni di bellezza e altre visioni del mondo bianco che abita l'Occidente.
Foto in b/n stampata su puzzle, foto laminata su Dibond, legno, plexiglass.
68 x 96 x 12,5 cm (26,77 x 37,8 x 4,92 pollici)
Il lavoro di Carlos Garaicoa sviluppa un dialogo tra arte e spazio urbano attraverso il quale indaga la struttura delle città contemporanee. Con un approccio multidisciplinare, Garaicoa affronta questioni culturali e politiche, soprattutto cubane, attraverso lo studio dell'architettura, dell'urbanistica e della storia. Uno dei suoi principali centri tematici è stata l'Avana post-rivoluzionaria, dove ha sviluppato gran parte del suo lavoro e di cui ha visto in prima persona il deterioramento e il degrado urbano. Attraverso la scultura, il disegno, il video, la fotografia e l'installazione, l'artista ha affrontato, in modo narrativo e critico, l'architettura utopica e il collasso dei principali centri urbani.
ideologie del XX secolo.

Cara Conchita, 2024
Tela, benda di gesso, corda, cartone,
scatole di legno, fotografia
170 x 60 x 35 cm (67 x 23,6 x 13,8 pollici)
Il lavoro di Fuentesal Arenillas si addentra nei campi della semiotica e dell'antropologia per strutturare un tipo di creazione artistica che è, allo stesso tempo, un gioco, un totem, un archivio e un evento. Il duo attinge alla tradizione dadaista e all'arte concreta per definire un immaginario in cui il banale, l'accidentale e il superfluo acquisiscono una dimensione quasi monumentale. Fuentesal Arenillas ha generato un universo di oggetti artistici profondamente segnato dalla dualità tra fisico e pensiero.
Le idee chiave del suo lavoro includono l'esplorazione di un volume simile al disegno, in cui la linea diventa materia solida; l'evoluzione come evento della vita; la mutazione dei materiali; il tempo come centro dell'attenzione; il gusto per le tradizioni popolari dell'artigianato di fronte alla sfida della modernità; l'interesse per gli stati incompiuti e spesso usa e getta della messa in scena del canone.
Questa estetica peculiare implica che ogni oggetto immaginato è un'eco del corpo, una cellula di significato in cui tutte le discussioni sull'erotismo e il misticismo dell'essere sono spogliate di conflitti, sessismo o ambiguità.

E ora che si fa?, 2024
Acrilico e acquerello su carta Canson
Montval 300g.
Dittico: 220 x 304 cm (86,6 x 119,7 pollici)
Lavorando sempre su carta, Miki Leal sviluppa un immaginario molto personale e astratto con sfumature pop e oniriche. La sua metodologia creativa si basa sull'associazione per trovare elementi su cui poi insistere con l'energia e la versatilità che caratterizzano la sua pittura.
Tra i temi più ricorrenti nella sua opera ci sono l'ambiente familiare e domestico, la passione per vari generi musicali e la presenza, come filo conduttore, di un corpus simbolico basato sulla geometria dei motivi decorativi; una geometria, si noti, di ispirazione sivigliana (piastrelle, mosaici, terrazzo).

Il gallo ha cantato, 2024
Acrilico su tela
180 x 150 cm (70,9 x 59 pollici)
Dea Gómez e Diego Omil lavorano insieme dal 2012 con il nome "Los Bravú", un termine galiziano usato per indicare l'odore degli animali. Si sono cimentati in diversi media: fumetto, disegno, ceramica, pittura, scultura e installazione. Il loro peculiare linguaggio pittorico di tono figurativo, condito con fantasie leggermente surrealiste e un virtuosismo neomanierista, si distingue per l'uso metodico del collage e della fusione. Il duo mescola design contemporaneo, fanzine, mass media e un'estetica accademica che ricorda i maestri del Rinascimento italiano (XV e XVI secolo) e del realismo magico (prima metà del XX secolo). Inoltre, mescolano diversi modi di dipingere sulla stessa tela, in modo che ogni elemento dei loro pezzi abbia un'identità non trasferibile attraversata dalla cultura urbana, urbana e vernacolare, dal fascino e dall'ironia.

Il mio denaro non finisce mai, 21 novembre 2023
Olio e foglia d'oro 24 carati su tela
150 x 150 cm (59 x 59 in)
Eduardo Ponjuán è uno degli artisti essenziali nella storiografia dell'arte cubana. La sua opera, emersa negli anni Ottanta, ha la capacità di andare oltre il precipizio di certe verità, di superarsi come generatore discorsivo, di scioccare, di farci tacere e di costringerci a osservarla compulsivamente. Il punto chiave di tutto ciò, in qualche modo estroso e tremendo, sembra risiedere nel suo talento illimitato nell'invocare ciò che può essere vitale per l'uomo. È questa la fonte dei suoi silenzi più fertili e polisemici. Il suo lavoro si muove in direzioni diverse, sostenuto dall'alibi di un concettualismo che si è reinventato di volta in volta. A volte parla con un leggero accento monosillabico, altre volte si fa sprezzante e urla senza inibizioni. Non esiste un modo preciso ed equo di classificarlo, perché nel suo caso qualsiasi tassonomia diventa riduttiva. Ponjuán è pittore, installatore, disegnatore, artista concettuale e pensatore inesauribile. Per lui, tutta l'arte è un punto di partenza, la mangiatoia da cui attinge ciò che gli serve per interrogare il mondo.