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ZH Arte sem título, 2024
Eloy Arribas - Ariel Cabrera - Ariamna Contino - Roberto Diago - Carlos Garaicoa - Flavio Garciandía - Fuentesal Arenillas - Miki Leal - Los Bravú - Eduardo Ponjuán
4 - 8 de dezembro de 2024
Stand: B17
Nesta edição de Untitled Art Miami Beach quisemos explorar, através de uma divertida e contrastante seleção de obras de artistas hispano-americanos, a ductilidade de um conceito como o atlantismo. Imaginários de um lado e de outro do Atlântico convergem para oxigenar as esferas de reflexão colectiva das sociedades contemporâneas, entrelaçadas hoje na ligação cada vez mais intensa entre a arte latino-americana, a arte feita por artistas latino-americanos na diáspora e a arte espanhola.
Strappo em acrílico e óleo sobre tela
162 x 130 cm (63 x 51,2 pol.)
Esta série de pinturas é criada com uma técnica única: os desenhos são produzidos utilizando o método do strappoem que as superfícies de pintura são desenhadas a partir de um único molde de cera que é continuamente modificado a cada desenho. Esta técnica estabelece uma genealogia bidirecional entre os diferentes desenhos, garantindo que, em qualquer momento, é possível traçar a posição de cada peça no conjunto e identificar os seus antecessores e sucessores imediatos. Como num palácio com um infiltração de pedras (um conjunto de salas), onde não se pode chegar à sala seguinte sem passar pela anterior, este método incorpora uma conceção física do tempo: ele passa à medida que se avança, e a sala (ou o desenho) é tomada como unidade de medida.
Uma vez que o desenho anterior não é apagado do molde de cera, os vestígios das obras anteriores permanecem e desvanecem-se parcialmente à medida que a série (e o percurso) avança. Deste modo, e sob a premissa de representar figuras essenciais (plantas, arquitetura, figura, etc.), a acumulação de marcas e resíduos abstrai gradualmente a figuração original, entrando num subtil jogo de ofuscação e ocultação.
O promotor, da série Parques Temáticos, 2024
Óleo sobre linho
183 x 183 (72 x 72 pol.)
Nas suas obras, Ariel Cabrera seleciona imagens retiradas de documentos patrimoniais pré-estabelecidos para se aprofundar em áreas complexas e aspectos pouco explorados da história de Cuba e dos Estados Unidos. Estabelece referências relacionadas com os primórdios da fotografia e das suas formas, gerando um diálogo com a pintura. Além disso, propõe cenários sobre acontecimentos militares das lutas pela independência, criando acontecimentos simultâneos e diálogos historiográficos hipotéticos que submetem a história em geral a um escrutínio, onde o sarcasmo, o erótico-burlesco e o lúdico estão presentes em lutas românticas e cenas íntimas concebidas como notas de campanha e contos.
Os visitantes, 2024
Óleo sobre linho
200 x 200 (78 x 78 pol.)
Nas suas obras, Ariel Cabrera seleciona imagens retiradas de documentos patrimoniais pré-estabelecidos para se aprofundar em áreas complexas e aspectos pouco explorados da história de Cuba e dos Estados Unidos. Estabelece referências relacionadas com os primórdios da fotografia e das suas formas, gerando um diálogo com a pintura. Além disso, propõe cenários sobre acontecimentos militares das lutas pela independência, criando acontecimentos simultâneos e diálogos historiográficos hipotéticos que submetem a história em geral a um escrutínio, onde o sarcasmo, o erótico-burlesco e o lúdico estão presentes em lutas românticas e cenas íntimas concebidas como notas de campanha e contos.
Papel cortado à mão / cartão Fabriano de 300 g, prensado a frio, sem ácido e vidro de museu.
160 x 160 cm (63 x 63 pol.)
Ariamna Contino constrói as suas obras recorrendo à técnica ritualista e extremamente meticulosa do "papel a céu aberto". Este procedimento contrasta com os temas que aborda, quase sempre ancorados em fenómenos controversos e de grande atualidade. Ariamna desenvolve um interesse especial por questões históricas, ambientais e socioculturais, lançando um olhar inquisitivo sobre conflitos e fenómenos que exigem uma revisão constante. A partir dos dados que recolhe nas suas pesquisas, compõe as suas próprias narrativas visuais sobre temas como o narcotráfico na América Latina, a narco-estética, a economia subterrânea em Cuba, o comércio de informação confidencial, entre outros.
Recentemente, o trabalho de Contino começou a centrar-se nas zonas intersticiais entre o mundo natural e o mundo cultural. Nesta perspetiva, explora novas abordagens à identidade nacional e constrói outras fisionomias para a insularidade.
Sem título, 2024
Bronze, tecido e madeira
64 x 40 x 38 cm (25,2 x 15,7 x 15 pol.)
Roberto Diago analisa a condição dos afro-descendentes cubanos no território social da Revolução. A sua visão cultural e sociológica compreende perfeitamente os efeitos dos processos coloniais nas nações que os sofreram. Essas marcas são visíveis tanto ao nível da marginalização e da segregação como ao nível epistémico e linguístico.
Diago denuncia, expõe e desenvolve exercícios de resistência cultural que lhe permitem falar a partir de uma alteridade autoconsciente e marrom, reivindicando outras pertenças religiosas, outros cânones de beleza e outras visões do mundo branco que habita o Ocidente.
Fotografia a preto e branco impressa em puzzle, fotografia laminada em Dibond, madeira, plexiglass.
68 x 96 x 12,5 cm (26,77 x 37,8 x 4,92 pol.)
O trabalho de Carlos Garaicoa desenvolve um diálogo entre a arte e o espaço urbano, através do qual investiga a estrutura das cidades contemporâneas. A partir de uma abordagem multidisciplinar, Garaicoa aborda questões culturais e políticas, especialmente as cubanas, através do estudo da arquitetura, do urbanismo e da história. Um dos seus principais centros temáticos tem sido a Havana pós-revolucionária, onde desenvolveu grande parte do seu trabalho e cuja deterioração e decadência urbana testemunhou em primeira mão. Através da escultura, do desenho, do vídeo, da fotografia e da instalação, o artista tem abordado, através de uma narrativa e de uma narrativa crítica, a arquitetura utópica e o colapso dos principais centros urbanos.
ideologias do século XX.
Querida Conchita, 2024
Tela, ligadura de gesso, corda, cartão,
caixas de madeira, fotografia
170 x 60 x 35 cm (67 x 23,6 x 13,8 pol.)
O trabalho de Fuentesal Arenillas mergulha nos domínios da semiótica e da antropologia para estruturar um tipo de criação artística que é, ao mesmo tempo, um jogo, um totem, um arquivo e um acontecimento. A dupla inspira-se na tradição dadaísta e na arte concreta para definir um imaginário em que o mundano, o acidental e o supérfluo adquirem uma dimensão quase monumental. Fuentesal Arenillas gerou um universo de objectos artísticos profundamente marcados pela dualidade entre o físico e o pensamento.
As ideias-chave do seu trabalho incluem a exploração de um volume semelhante ao desenho, no qual a linha se torna matéria sólida; a evolução como um acontecimento da vida; a mutação dos materiais; o tempo como foco de atenção; o gosto pelas tradições populares do artesanato face à modernidade desafiante; e um interesse pelos estados inacabados e frequentemente descartáveis da encenação do cânone.
Esta estética peculiar implica que cada objeto que imaginam é um eco do corpo, uma célula de significado em que todas as discussões sobre a erótica e a mística do ser são despojadas de conflito, sexismo ou ambiguidade.
E agora o quê!, 2024
Acrílico e aguarela sobre papel Canson
Montval 300g.
Díptico: 220 x 304 cm (86,6 x 119,7 in)
Trabalhando sempre sobre papel, Miki Leal desenvolve um imaginário muito pessoal e abstrato com nuances pop e oníricas. A sua metodologia criativa baseia-se na associação para encontrar elementos sobre os quais insistirá mais tarde com a energia e a versatilidade que caracterizam a sua pintura.
Entre os temas mais recorrentes na sua obra contam-se o ambiente familiar e doméstico, a paixão por vários géneros musicais e a presença, como leitmotiv, de um corpus simbólico baseado na geometria dos padrões decorativos; uma geometria, note-se, de inspiração sevilhana (azulejos, mosaicos, terrazzo).
O galo cantou, 2024
Acrílico sobre tela
180 x 150 cm (70,9 x 59 pol.)
Dea Gómez e Diego Omil trabalham juntos desde 2012 sob o nome "Los Bravú", um termo galego usado para se referir ao cheiro dos animais. Aventuraram-se em diferentes meios: banda desenhada, desenho, cerâmica, pintura, escultura e instalação. A sua peculiar linguagem pictórica de tom figurativo, temperada com fantasias ligeiramente surrealistas e um virtuosismo neo-maneirista, destaca-se pelo uso metódico da colagem e da fusão. A dupla mistura design contemporâneo, fanzines, meios de comunicação social e uma estética académica que lembra os mestres do Renascimento italiano (séculos XV e XVI) e do realismo mágico (primeira metade do século XX). Além disso, misturam diferentes formas de pintar sobre a mesma tela, de modo a que cada elemento das suas peças tenha uma identidade intransmissível atravessada pela cultura urbana, pela cultura urbana e vernacular, pelo fascínio e pela ironia.
O meu dinheiro nunca acaba, 21 de novembro de 2023
Óleo e folha de ouro de 24 quilates sobre tela
150 x 150 cm (59 x 59 pol.)
Eduardo Ponjuán é um dos artistas essenciais na historiografia da arte cubana. A sua obra, surgida durante os anos oitenta, tem a capacidade de ultrapassar o precipício de certas verdades, de se superar como gerador discursivo, de chocar, de nos fazer calar e de nos obrigar a observá-la compulsivamente. O ponto fulcral desta obra, simultaneamente caprichosa e tremenda, parece residir no seu talento ilimitado para invocar aquilo que pode ser vital para o homem. É esta a fonte dos seus silêncios mais férteis e polissémicos. A sua obra move-se em diferentes direcções, apoiada no álibi de um concetualismo que se reinventou uma e outra vez. Por vezes fala com um leve sotaque monossilábico, outras vezes torna-se mordaz e grita sem inibição. Não existe uma forma precisa e justa de o classificar, porque no seu caso qualquer taxonomia se torna redutora. Ponjuán é pintor, instalador, desenhador, artista concetual e pensador inesgotável. Para ele, toda a arte é um ponto de partida, a calha de onde retira o que precisa para interrogar o mundo.
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