Tudo o que é humano está sujeito à decadência

Los Bravú, uma dupla de artistas espanhóis nascida em 2012 da colaboração entre Dea Gómez (Salamanca, Espanha, 1989) e Diego Omil (Pontevedra, Espanha, 1988), encarna uma das visões artísticas mais sólidas e bem-sucedidas no panorama da arte contemporânea espanhola.

Esta afirmação pode parecer arriscada e um pouco presunçosa. Mas subscrevo-a sem qualquer intenção de gerar confrontos e com plena consciência das minhas palavras, porque poucos jovens artistas alcançaram hoje a virtuosa capacidade de perceber o espírito do seu tempo e de o transformar numa obra de arte que, estrutural e concetualmente, seja tão ambígua, complexa e difusa como a própria realidade cultural que nos rodeia.

Passaram cinco anos desde o meu primeiro encontro com as suas obras. A minha abordagem foi simples e direta: cada quadro é um contentor onde se juntaram fragmentos da cultura ocidental, alguns pedaços do edifício em ruínas dos seus valores fundamentais e corpos que se sentem vivos, mas que na realidade habitam o espaço etéreo de uma agonia - dissimulada. Depois pensei: esta é uma análise extraordinariamente correta do conceito de beleza com que nós, millennials, lidamos. E mantive-me calmo; até hoje.

Esta exposição é um lembrete de que tudo o que é humano está sujeito à decadência... exceto a imaginação; é uma revisão antropológica de três conceitos-chave: pintura, código e mistério.

Dea e Diego vêm do mundo editorial; a sua investigação artística tem origem no domínio da filologia e da linguística. São leitores ávidos e, sempre fascinados pela iconografia, possuem uma vasta cultura visual. Esta é a base substancial da pintura que produzem: um olhar obsceno, cru, sem preconceitos, descontaminado. Apropriam-se do repertório das formas clássicas e de toda a tradição cristã ocidental sem receio de se submeterem ao jugo de um tipo de beleza que hoje pode parecer distante. Também se preocupam em trazer à luz e dignificar os vestígios estéticos da cultura visual dos anos 90, hoje propriedade dos millennials que afirmam orgulhosamente ter usufruído dos últimos vestígios da imagem analógica. E arriscam ligar-se a uma tendência artística marcada pelo hibridismo visual e pela reformulação crítica da tradição pictórica; pela convivência e, muitas vezes, pelo confronto entre o figurativo - com ênfase na narrativa e no autobiográfico - e o abstrato - impregnado de gestos, cores expansivas e referências digitais. Uma pintura que já não se questiona sobre o seu lugar no mundo como linguagem, mas que é um espaço de fricção entre a imagem material e a superabundância de imagens virtuais.

Quem os conhece mais de perto poderá pensar que a frase "Onde o ar é fresco e as flores tremem" é uma referência direta ao seu novo estúdio em Orlé, no Vale de Nalón, onde se retiraram nesta última temporada para pintar. Nos últimos anos, têm feito um esforço para analisar, dignificar e preservar os imaginários culturais do norte de Espanha, essa região do conhecimento muitas vezes situada nas margens culturais. Mas parece-me que estas coordenadas, no estilo quixotesco de "En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no quiero acordarme", se referem a um lugar muito para além do plano físico, situado nas profundezas da alma humana. "Onde o ar é fresco e as flores tremem", muito provavelmente, lança-nos no caminho que conduz aos prados caóticos do inconsciente.

A forma peculiar como os artistas configuraram este lugar desarticulado é impressionante. A exposição, à primeira vista, é o ambiente de um sonho que foi interrompido no seu momento mais suculento e complicado. Aqui, texto e símbolos não competem, entrelaçam-se. Não há ordem ou regras relativamente ao tempo: o passado, o presente e o futuro colidiram. Os códigos de dois tipos diferentes de linguagem também colidiram: a poética e a pintura. E, no meio, há um código que suporta esta deflagração: a linguagem da escrita. Em suma, recriaram na galeria, através de um conjunto de sprites detalhados, o cenário denso e caótico de um videojogo.

O dispositivo dadaísta do cadáver requintado foi aqui substituído por um dispositivo muito mais inovador: o glitch. Este termo vem do campo da programação e é usado para designar um erro de linguagem que, como não afecta negativamente o desempenho, a jogabilidade ou a estabilidade do programa ou videojogo em questão, não pode ser considerado um bug, mas sim uma caraterística imprevista que pode ser explorada pelos jogadores. Os glitches surgem devido a ficheiros mal codificados ou corrompidos, que quando lidos formam figuras ou imagens fora do normal. Um dos casos mais conhecidos é o chamado Glitch City.

Desta forma, a tela torna-se uma página, uma superfície de inscrição, um ecrã. Texto e imagem não competem, contaminam-se mutuamente. A tradição visual - da Renascença aos anos 90 - dialoga com as lógicas do metaverso. A obra configura-se, assim, como um espaço de fricção: um laboratório onde o analógico e o digital, o coletivo e o íntimo, o sagrado e o banal se friccionam a todo o momento.

A diegese destas obras esconde um movimento de consciência que faz lembrar um salto quântico. Não se trata de uma evolução linear nem de uma narrativa progressiva, mas de um colapso em que os planos temporais e simbólicos se entrelaçam sem hierarquia. O passado não está atrás, nem o futuro à frente: ambos estão aqui, embutidos no presente. É nesta dobra que os Los Bravú situam as suas personagens, os seus cenários, os seus textos e símbolos: no caos fértil de um inconsciente coletivo que ainda não encontrou a forma de se narrar.

A cor azul, omnipresente nesta exposição, acentua este carácter limiar. Poucas tonalidades tiveram um destino tão carregado historicamente: desde o ultramarino do lápis-lazúli, mais caro do que o ouro e reservado nos períodos renascentista e barroco para a divindade, até à sua versão contemporânea, associada ao brilho frio dos ecrãs electrónicos. Nas pinturas de Los Bravú, o azul oscila entre o místico e o digital: é, ao mesmo tempo, oração e glitch, céu sagrado e monitor iluminado. Em contraste com a materialidade ostensiva do ouro, o azul é pura vibração, um sinal do intangível. Os artistas fazem dele o material e o símbolo de um novo imaginário coletivo: um azul que já não aponta apenas para o além, mas também para as arquitecturas invisíveis do nosso presente virtual.

À primeira vista, a pintura de Los Bravú poderia ser lida como figurativa: corpos, paisagens, símbolos reconhecíveis, gestos humanos que parecem estar em diálogo com a tradição ocidental. Mas olhar apenas para o óbvio seria perder a essência do seu trabalho. A pintura, nas suas mãos, não é um fim em si mesma; é um meio. Um meio para revelar, investigar e partilhar os códigos através dos quais a cultura é comunicada, consumida e transmitida hoje em dia. Cada pincelada, cada fragmento de texto, cada composição é o resultado de uma análise meticulosa e prolongada da forma como os significados são construídos, como os imaginários circulam e como os arquétipos sociais são perpetuados num contexto hiperconectado e digitalizado.

Em Los Bravú, a pintura funciona como um laboratório. As suas telas imortalizam os resultados de uma extensa pesquisa, combinando iconografia, linguística, tecnologia e memória colectiva. São mapas onde se observam as conexões entre imagem e texto, entre o analógico e o digital, entre a tradição pictórica e os signos contemporâneos. A figuração funciona, neste sentido, como uma porta de entrada: um pretexto visual que conduz o espetador a uma teia de códigos, sinais e referências que explicam como a cultura é produzida, interpretada e circula atualmente.

Esta estratégia liga-os a uma linha de artistas pós-conceptuais que investigaram a linguagem e os sistemas culturais como matéria-prima da obra de arte. Pensemos, por exemplo, em Thomas Struth, que analisa a forma como os museus e os ambientes urbanos produzem e reproduzem discursos culturais; Tacita Dean, que trabalha com imagens e media para explorar a memória e a perceção; ou Mark Dion, que disseca e reconstrói sistemas de conhecimento natural e cultural. Tal como eles, os Los Bravú não se contentam em mostrar, mas procuram compreender, catalogar e partilhar as regras ocultas que regem a nossa experiência da cultura contemporânea.

Onde o ar é fresco e as flores tremem é, finalmente, um convite para atravessar o azul, para se perder nos prados do inconsciente, para aceitar que, embora tudo esteja a desmoronar, o poder inesgotável da imaginação ainda permanece.

-Luis Sicre