Tutto ciò che è umano è soggetto alla decadenza

Los Bravú, duo di artisti spagnoli nato nel 2012 dalla collaborazione tra Dea Gómez (Salamanca, Spagna, 1989) e Diego Omil (Pontevedra, Spagna, 1988), incarna una delle visioni artistiche più solide e di successo della scena artistica contemporanea spagnola.

Questa affermazione può sembrare azzardata e un po' presuntuosa. Ma la sottoscrivo senza alcuna intenzione di generare un confronto e con piena consapevolezza delle mie parole, perché pochi giovani artisti oggi hanno raggiunto la virtuosa capacità di percepire lo spirito del proprio tempo e di trasformarlo in un'opera d'arte che, strutturalmente e concettualmente, è ambigua, complessa e diffusa come la stessa realtà culturale che ci circonda.

Sono passati cinque anni dal mio primo incontro con le sue opere. Il mio approccio è stato semplice e diretto: ogni quadro è un contenitore in cui sono confluiti frammenti della cultura occidentale, alcuni pezzi dell'edificio in rovina dei suoi valori fondamentali, e corpi che si percepiscono vivi, ma che in realtà abitano lo spazio etereo di una - dissimulata - agonia. Poi ho pensato: questa è un'analisi straordinariamente accurata del concetto di bellezza che noi millennials gestiamo. E sono rimasto tranquillo; fino a oggi.

Questa mostra ci ricorda che tutto ciò che è umano è soggetto a decadenza... tranne l'immaginazione; è una rassegna antropologica di tre concetti chiave: pittura, codice e mistero.

Dea e Diego provengono dal mondo dell'editoria; la loro ricerca artistica ha origine nel campo della filologia e della linguistica. Sono lettori accaniti e, da sempre affascinati dall'iconografia, possiedono una vasta cultura visiva. Questa è la base sostanziale della loro pittura: uno sguardo osceno, crudo, senza pregiudizi, decontaminato. Si appropriano del repertorio delle forme classiche e dell'intera tradizione cristiana occidentale senza temere di sottomettersi al giogo di un tipo di bellezza che oggi può sembrare lontano. Si concentrano anche sul riportare alla luce e alla dignità i residui estetici della cultura visiva degli anni '90, oggi appannaggio dei millennials che rivendicano con orgoglio di aver goduto delle ultime tracce dell'immagine analogica. E si azzardano a connettersi con una tendenza artistica segnata dall'ibridazione visiva e dalla riformulazione critica della tradizione pittorica; dalla coesistenza e, spesso, dallo scontro tra il figurativo - con un'enfasi sulla narrazione e sull'autobiografismo - e l'astratto - impregnato di gestualità, colori espansivi e riferimenti digitali. Una pittura che non si interroga più sul suo posto nel mondo come linguaggio, ma che è invece uno spazio di attrito tra l'immagine materiale e la sovrabbondanza di immagini virtuali.

Chi li conosce più da vicino potrebbe pensare che la frase "Dove l'aria è fresca e i fiori tremano" sia un riferimento diretto al loro nuovo studio di Orlé, nella Valle del Nalón, dove si sono ritirati in quest'ultima stagione per dipingere. Negli ultimi anni si sono sforzati di analizzare, valorizzare e preservare gli immaginari culturali del nord della Spagna, quella regione del sapere che spesso si trova ai margini della cultura. Ma mi sembra che queste coordinate, nello stile donchisciottesco di "En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no quiero acordarme", si riferiscano a un luogo ben al di là del piano fisico, situato nella profondità dell'animo umano. "Dove l'aria è fresca e i fiori tremano", con ogni probabilità, ci lancia lungo il sentiero che conduce ai prati caotici dell'inconscio.

Colpisce il modo particolare in cui gli artisti hanno configurato questo luogo disarticolato. La mostra, a prima vista, è l'ambiente di un sogno che è stato messo in pausa nel suo momento più succoso e contorto. Qui, testo e simboli non competono, ma si intrecciano. Non c'è ordine né regole sul tempo: passato, presente e futuro si sono scontrati. Anche i codici di due diversi tipi di linguaggio si sono scontrati: la poetica e la pittura. E in mezzo, c'è un codice che sostiene questa deflagrazione: il linguaggio della scrittura. In breve, hanno ricreato in galleria, attraverso un insieme di sprite dettagliati, lo scenario denso e caotico di un videogioco.

L'usurato espediente dadaista del cadavere squisito è stato qui sostituito da uno molto più innovativo: il glitch. Questo termine proviene dal campo della programmazione e viene utilizzato per designare un errore di linguaggio che, non influendo negativamente sulle prestazioni, sulla giocabilità o sulla stabilità del programma o del videogioco in questione, non può essere considerato un bug, ma piuttosto una caratteristica imprevista che può essere sfruttata dai giocatori. I bug sono dovuti a file mal codificati o corrotti, che letti formano figure o immagini fuori dalla norma. Uno dei casi più noti è il cosiddetto Glitch City.

In questo modo, la tela diventa una pagina, una superficie di scrittura, uno schermo. Testo e immagine non sono in competizione, ma si contaminano a vicenda. La tradizione visiva - dal Rinascimento agli anni Novanta - dialoga con le logiche del metaverso. L'opera si configura così come uno spazio di attrito: un laboratorio dove l'analogico e il digitale, il collettivo e l'intimo, il sacro e il banale si sfregano continuamente.

La diegesi di queste opere nasconde un movimento di coscienza che ricorda un salto quantico. Non si tratta di un'evoluzione lineare né di una narrazione progressiva, ma di un collasso in cui i piani temporali e simbolici si intrecciano senza gerarchia. Il passato non è dietro, né il futuro davanti: entrambi sono qui, incorporati nel presente. È in questa piega che Los Bravú collocano i loro personaggi, i loro scenari, i loro testi e i loro simboli: nel caos fertile di un inconscio collettivo che non ha ancora trovato il modo di narrarsi.

Il colore blu, onnipresente in questa mostra, accentua questo carattere di soglia. Poche tonalità hanno avuto un destino così carico di storia: dall'oltremare dei lapislazzuli, più costoso dell'oro e riservato in epoca rinascimentale e barocca alla divinità, alla sua versione contemporanea, associata alla fredda luminosità degli schermi elettronici. Nei dipinti di Los Bravú, il blu oscilla tra il mistico e il digitale: è, allo stesso tempo, preghiera e glitch, cielo sacro e monitor acceso. In contrasto con l'ostentata materialità dell'oro, il blu è pura vibrazione, segno dell'intangibile. Gli artisti lo trasformano in materiale e simbolo di un nuovo immaginario collettivo: un blu che non punta più solo all'aldilà, ma anche alle architetture invisibili del nostro presente virtuale.

A prima vista, la pittura di Los Bravú potrebbe essere letta come figurativa: corpi, paesaggi, simboli riconoscibili, gesti umani che sembrano dialogare con la tradizione occidentale. Ma guardare solo all'ovvio significherebbe perdere l'essenza del suo lavoro. La pittura, nelle sue mani, non è un fine in sé, ma un mezzo. Un mezzo per rivelare, indagare e condividere i codici con cui la cultura viene comunicata, consumata e trasmessa oggi. Ogni tratto, ogni frammento di testo, ogni composizione è il risultato di un'analisi meticolosa e prolungata di come si costruiscono i significati, di come circolano gli immaginari e di come si perpetuano gli archetipi sociali in un contesto iperconnesso e digitalizzato.

Per i Los Bravú la pittura funziona come un laboratorio. Le loro tele immortalano i risultati di un'ampia ricerca che combina iconografia, linguistica, tecnologia e memoria collettiva. Sono mappe dove si possono osservare le connessioni tra immagine e testo, tra analogico e digitale, tra tradizione pittorica e segni contemporanei. La figurazione funge, in questo senso, da porta d'ingresso: un pretesto visivo che conduce lo spettatore in una rete di codici, segni e riferimenti che spiegano come la cultura viene prodotta, interpretata e fatta circolare oggi.

Questa strategia li collega a una linea di artisti post-concettuali che hanno indagato il linguaggio e i sistemi culturali come materia prima dell'opera d'arte. Si pensi, ad esempio, a Thomas Struth, che analizza il modo in cui i musei e gli ambienti urbani producono e riproducono i discorsi culturali; a Tacita Dean, che lavora con le immagini e i media per esplorare la memoria e la percezione; o a Mark Dion, che seziona e ricostruisce i sistemi di conoscenza naturale e culturale. Come loro, Los Bravú non si accontentano di mostrare, ma cercano di capire, catalogare e condividere le regole nascoste che governano la nostra esperienza della cultura contemporanea.

Dove l'aria è fresca e i fiori tremano è, infine, un invito ad attraversare il blu, a perdersi nei prati dell'inconscio, ad accettare che, nonostante tutto si stia sgretolando, il potere inesauribile dell'immaginazione rimane ancora.

-Luis Sicre